Cinégraphe: PAUSE CRITIQUE SEPTEMBRE 2018

avec Francis de Laveleye
(producteur et maître de conférences à l’Université Libre de Bruxelles)

UN PEUPLE ET SON ROI
THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTTE
THE BOOKSHOP
GUY

Photo : il est venu à Vierzon, avec son épouse, France Brel :

https://cinegraphe.blogspot.fr/2017/10/brel-vierzon.html

(Un grand merci pour nous avoir donné l'autorisation de diffuser ses critiques sur notre blog.)

FILMS SEPTEMBRE

517

Mademoiselle de Joncquières de Emmanuel Mouret

Heureuse découverte d'un réalisateur dont je n'avais pas vu les films précédents. Ici, c'est du grand classique, très soigné, un beau film en costumes comme on les aime.
Mais surtout la langue qui y est parlée est sublime, par son élégance, mais aussi par le vivacité des répliques. Diderot a inspiré cette histoire (Jacques le fataliste) et le spectateur la suit avec plaisir, intérêt même, lorsque le féminisme vient sous-tendre certaines attitudes, certaines motivations évoquées dans le cours de l'histoire. Il est vrai que la Régence de Louis XV est une période de libertinage maintes fois déjà labourée, avec en référence insurpassable, Les liaisons dangereuses qui semblent avoir certains liens de famille avec ce scénario. Il est bien construit, même si l'on ressent certaines complaisances, certaines longueurs et parfois quelques maladresses. En particulier dans le manque de maîtrise du temps qui passe. Certes, les passages " au noir " marquent, comme des chapitres, les époques successives, mais c'est insuffisant pour prendre conscience de l'écoulement du temps. Et l'unité de " lumière ", la saison unique, printanière, estivale, induit la sensation que tout cela se passe le même été, dans une belle propriété. Propriété qui, en intérieur, limite un peu les ambiances qui deviennent à force, répétitives.
Les beaux et longs mouvements de caméra semblent une caresse de l’œil sur ces personnages qui en inspireraient de bien plus intimes.
Personnellement je trouve Édouard Bear excellent acteur, mais d'une modernité maladroite : barbu comme c'est la mode aujourd'hui, et habillé d'une façon faussement bohème qui cadre assez peu avec son rang et l'imagerie de l'époque.
Cécile de France elle, est absolument sublime de finesse, de richesse d'expression, de beauté. Et tous les autres rôles sont très élaborés, élégants. L'image est délicatement surexposée, ce qui donne une ambiance laiteuse subtile, une sorte de légèreté qui sied bien à l'époque. La musique abondante, utilisée de façon théâtrale, n'a peut-être pas fait l'objet d'une sélection très élaborée.
Mais dans l'ensemble, le plaisir de voir d'excellents acteurs dire des textes d'une rare élégance, dans de beaux décors avec des costumes de belle allure suffit à assurer un moment très plaisant et qui amuse. Mais cela, c'est le scénario dont je ne dirai rien.

518

BlacKkKlansman de Spike Lee

C'est un film que l'on s'apprête à aller voir avec un peu d'appréhension tant le matraquage publicitaire, la promotion, la " couverture " journalistique s'en est emparé, " spoilant " à longueur de commentaires.
Et en effet, l'histoire, les " bonnes séquences " les répliques cultes sont déjà connues de tous. Et malgré cela, le plaisir est grand de suivre cette aventure, d'admirer le traitement scénaristique plein de subtilités qui permettent au récit de rebondir bien que l'on en connaisse, comme l'histoire de Jésus, toutes les étapes. Il y a un nécessaire rappel du fait raciste et un portrait de ce qu'il est convenu de nommer " l'Amérique profonde " et qui est justement si superficielle et aculturée. Tout cela est bon, bien fait et bien utile.
C'est même parfois drôle alors que, franchement, vouloir faire " baisser culotte " à une personne que l'on accuse d'être juive, voir des flics tabasser comme des brutes l'un de leurs collègues en civil, et autres moments qui rendent la ségrégation ambiante tangible, ce n'est pas très joyeux. Un rappel indispensable, qui peut-être fera bouger certaines consciences.
Mais c'est la fin du film qui, soudain, éclate et arrache les larmes. Allez voir ce film qui mérite d'être soutenu pour l’ambitieuse mission qu'il s'est donné : montrer que le vivre ensemble n'est possible que là où règne la bienveillance et la courtoisie.

519

Engel de Koen Mortier

C'est pas le diable, mais un peu l'enfer tout de même. Réalisateur flamand ayant deux films déjà à son actif, celui-ci s'ajoute dans le droit fil d'une recherche affirmée d'un style, d'un univers, d'une écriture résolument non classique, assez trash, et peu soucieuse de clarté cartésienne ou du confort du spectateur.
Un cycliste au faîte de sa gloire part au Sénégal après un accident. Il veut " s'éclater " et rien ne semble le retenir. Nous partageons cette journée de retrouvailles avec son frère et de descente aux enfers avec une sorte d’Eurydice d'ébène qui nous fait partager une réalité locale de façon particulièrement véridique. Le film est " fabriqué " avec des plans aux cadrages étonnants, un montage vif et arbitraire, créant une espèce de chaos visuel augmenté par un chromatisme extrême, un grain de l'image semble-t-il tournée en argentique, loin de tout esthétisme convenu, mais cherchant une ambiance visuelle qui rapproche un peu du tag, de certains styles issus du street art.
Il y a de nombreuses hypothèses de récit qui s'enchevêtrent et donnent parfois lieu à des images étonnantes, à des issues, issues de phantasmes, du cauchemar, de l’hallucination.
Et la musique qui baigne le film dans un univers sonore très en accord avec ce que l'on y voit, ne vous lâche pas les tympans une seule seconde. Un délice sans doute pour ceux qui recherchent ce type de sons en festival, en boîte de nuit. Mais qui demande une résistance déterminée aux décibels qu'un César du son aurait compressés et tordus à l'extrême. Pour les connaisseurs, mentionnons le nom de ce groupe " célèbre " de l'underground : Soulsavers.
Il faut mentionner aussi le romancier Dimitri Verhulst qui est adapté une nouvelle fois au cinéma (Problemski Hotel et La merditude des choses De helaasheid der dingen ) et qui sans doute, travaille dans un univers fictionnel très semblable à celui de Koen Mortier, taillé à la serpe. Le titre du roman adapté ici est : Monoloog van iemand die het gewoon werd tegen zichzelf te praten traduit par : Monologue d’une personne habituée à se parler à elle-même.
Félicité d'Alain Gomis (375) a été produit par le même producteur qui a pris en charge l'équipe de Koen Mortier au Sénégal. L'univers de ces deux films est très analogue à certains égards.
Nicolas Karakatsanis est le chef opérateur à qui l'on doit ces images hors du commun, et les cadrages, souvent très proches des protagonistes, sont tremblants, mouvants sans doute comme les émotions qu'ils captent puis dégagent, de façon parfois frénétique, au mépris de " la belle image ", ici, pas de mise au point, pas de profondeur de champ, pas de caméra sur pied.
Tout un univers, fort, des dialogues (en français pour un film financé par la culture flamande, chapeau !) une matérialisation visuelle et sonore d'un regard singulier sur le monde. A découvrir donc, résolument. Sans l'ambition de digérer paisiblement, la paupière lourde, une production prémâchées cent fois vue déjà. Vous le découvrirez : les anges ne vivent pas tous au paradis.

520

Un peuple et son roi de Pierre Schoeller

Ce n'est pas révolutionnaire. Nous voilà embarqués dans l'histoire de la révolution, de la prise de la Bastille au régicide. Tout cela est montré avec beaucoup d'élégance, le souci appliqué de bien faire, un grand luxe de costumes, des reconstitutions d'époque assez soignées, l'Assemblée Nationale, Versailles, les quartiers populaires, la destruction partielle d'une tour de la Bastille au début du film qui donne lieu à une séquence très appuyée d'un symbolisme sur la lumière qui fait très " Rencontre du 3e type " un peu Raëlien. Cette veine spiritualiste s'exprime encore à travers le feu du souffleur de verre et la réussite par son apprenti d'un " chef d’œuvre ", un orbe parfaitement sphérique et transparent. Tout cela dans un style très téléfilm des années nonante, avec mouvements de foule, quelques cris de la populace, des provocations caricaturales de la noblesse, Louis XVI qui signe en versant une larme, et pour aider le spectateur qui n'a pas son histoire de la révolution française présente à l'esprit, quelques titres, quelques dates en lettres blanches sur fonds noirs qui scandent le film avec le vain espoir de donner des repères historiques que seuls les Jules Michelet des salles obscures déchiffreront clairement.
Il y a de nombreuses scènes de foule, des tentatives louables de jouer " collectif " et quelques fragments de discours un peu théâtraux qui servent de piqûre de rappel sur les enjeux irréconciliables de cette époque. D'excellents acteurs se donnent un mal fou pour incarner les rôles, tant célèbres qu'anonymes et populaires. Si l'on excepte Marat par Denis Lavant, loin encore des rôles du Danton de Wajda, il faut regretter que, tout au long de ces 2 heures, les acteurs n'habitent pas leurs rôles. Avec un sommet pour Olivier Gourmet, insipide plus qu'à son ordinaire, parlant faux, avec une expression de potiron d'Halloween, et comme il ne porte pas de lunettes, l'on voit ses yeux vitreux, ce qui convient peut-être à un souffleur de verre à bout de souffle.
La bande sonore est d'une grande richesse, faites de sons qui se veulent réalistes, des chants révolutionnaires entonnés par les acteurs et la foule, une musique délibérément non imitative, mais qui en devient une sorte d'admonestation sonore qui n'était peut-être pas nécessaire. La photographie est faite sans projecteurs, uniquement grâce à la lumière naturelle, de jour comme de nuit. Ce travail mérite une attention particulière.
Mais ce qui manque le plus au film, c'est sans doute un parti pris, un point de vue, une volonté forte de nous proposer ce que l'histoire peut apporter à l'actualité.
Chacun trouvera dans ce film des moments intéressants ; la décapitation est traitée de façon presque esthétisante, insistante, un peu lourde. Mais passer deux heures avec le passé ne manque pas d'intérêt. Même les coproducteurs, les frères Dardenne, sont arrivés à financer par le Tax Shelter une histoire qui n'a strictement rien de belge. La fuite de l'argent destiné au cinéma belge connaît meilleure fortune que celle de Varennes. Ne lui souhaitons pas une même fin.

521

The Sisters Brothers de Jacques Audiard

Drôle de famille ! Voilà un film lourd, fort, qui vous pèse toute la projection et qui, d'abord, éblouit par les qualités d'image, de décors, de reconstitutions d'époque et surtout de personnages admirablement campés par des acteurs tous hors pair. L'histoire est très complexe mais lisible malgré les méandres, les raccourcis, les simplifications qui parfois se résument à un échange de répliques, un regard fugace. Il faut suivre, et l'on n'est pas déçu, car le traitement scénaristique est dense, riche et sur de nombreux points, original dans un type de films très exploité déjà.
Bref, l'on ne s'ennuie pas parce que l'on est souvent surpris, mais aussi parce que le rythme, les alternances entre tension et transition, confrontations et attentes, tout cela nous porte à une forme de suspens qui sent la sueur, le crottin et la poudre.
Deux sujets sont entrelacés : une sombre histoire de famille et la poursuite d'orpailleurs sans scrupules. Et c'est là que mon adhésion au sujet est limitée : la violence, l'absence d'humanité, la loi du meilleur tireur, les rapports de forces, certes, cela nous rapproche de Tarantino et de cet univers qui exprime une ultra violence, une déshumanisation complète des rapports humains.
Est-ce bien nécessaire ? Et tout cela avec e.a. le bon argent du Tax Shelter amené par les frères Dardenne, oui, encore eux, attirés sans doute par le titre. Mais surtout le talent d’Audiard.

522

I Feel Good de Benoît Delépine et Gustave Kerven

Un film d'exception, de quelque point de vue qu'on le considère.
Le scénario est une sorte de mélange de film social, souriant, de farce burlesque, de provocations en tous genre.
La mise en scène est faite pour amuser le spectateur qui est mis, littéralement, face à ces personnages tous issus d'une fresque à la Daumier, avec une double mention pour Jean Dujardin et Yolande Moreau. S'il n'y avait pas ce genre de films, inclassables, jamais nous n'aurions vu ces deux acteurs aussi drôles et touchants.
Les décors incroyables, oscillant entre la maison de poupée et la déchetterie, entre une espèce de science-fiction en ruine et des " flashback " irrésistibles de drôlerie, le tout dans une ambiance lumineuse, photographique, une colorimétrie pour parler chic, qui semble issue de l'univers du plastique des années 50.
Saint Amour (209) des mêmes réalisateurs utilisait déjà certaines formes de récit issues des guignols de Canal +, un humour inclassable et qui fait mouche.
Il y a en prime, une sorte de galimatias politico-social qui est très touchant, interpellant, à ne pas prendre à la légère même s'il est tenu de façon extravagante. L'Abbé Pierre plane sur tout cela de façon malicieuse et interpellante.
Bref, le genre de film inclassable qui se fait sentir bien.

513

The Man Who Killed Don Quixote de Terry Gilliam

Aucun risque d'en mourir, même si le film s'étire durant 132 minutes de folie, de désordre baroque, une espèce de délire chaotique et débridé.

Avec de bons moments, des hiatus incompréhensibles, des scènes souvent réussies, mais hors contexte, une espèce de meltingpot de ce que l'on peut imaginer pour ce genre de film échevelé, très, trop personnel.

L'action se déroule de nos jours, sur un arrière fond de tournage, mais avec beaucoup de reconstitutions qui se veulent plus ou moins d'époque. Cela ne manque pas de drôlerie parfois, mais impossible de s'y retrouver tant le vent de folie souffle sur cette œuvre inclassable.

Et comme tout n'a pas le même niveau d'inspiration, le spectateur se sent un peu comme dans des montagnes russes, à l'affût de la séquence suivante, vertigineuse ou laborieuse, amusante ou longuette.

Ce film a beaucoup fait parlé de lui : tournage maintes fois remis, conflit juridique entre réalisateur et producteur, extravagances à tous les niveaux du projet.

Cela ne suffit pas à faire un chef d’œuvre, mais prédispose à supporter avec bienveillance un film adulé par les uns, décriés par les autres. Comme à chaque fois, il faut se faire sa propre opinion. Et l'on s'étonnera que, à travers une respectable maison de production belge, le Tax Shelter et Proximus contribuent au financement, ce qui nous vaut le Studio L’Équipe au générique...

514

The Bookshop de Isabel Coixet

Adapté d'un roman qui nous est évoqué par la voix off très présente de Vanessa Redgrave, l'histoire est celle de la création, dans un village reculé, d'une librairie. Elle occupera un bâtiment convoité par d'autres. Et tout le film est le portrait de ce microcosme very British. Adorable et profondément cruel sous des dehors d'une exquise civilité. Réalisé par une espagnole, le ton anglais me semble cependant très habilement mis en scène. Quoiqu'en écrivent certains critiques qui tirent à boulets rouges sur un joli film, en particulier au motif qu'il serait un " europudding ", le produit des contraintes de coproduction.

Le style du film est très convenu, avec de belles musiques, avec de belles reconstitutions, une belle image, des acteurs tous parfaits, un montage très classique, des cadres et des mouvements d'appareil mis en place pour faire beau. C'est un peu lent, mais ce rythme convient si bien à cette façon hyper retenue de s'exprimer, cette manière très victorienne de refouler ses sentiments et ses émotions, sauf dans de rares moments où éclatent la colère et l'indignation.

Une très agréable façon de se distraire si l'on n'a rien trouvé à lire dans sa librairie favorite.

515

Guy de Alex Lutz

Un petit bijou et une belle surprise. Voilà le type même de film qui passe inaperçu, sans vedette, qui ressemble à un documentaire et qui n'évoque qu'un chanteur sur le retour.

Eh bien, c'est fait avec un talent exceptionnel de la part de Alex Lutz qui, non content de réaliser, occupe l'écran du début à la fin. Avec des effets d'âges exceptionnellement réussis puisque le film est le portrait d'une jeune vedette du yéyé qui tente un come-back en fin de parcours. Rien que le personnage est spectaculaire, et fait rire tant les clichés, les analogies avec cette engeance un peu fanée sont montrés de façon habile, amusante, parfois un peu cruelle. Voilà pour le portrait de Guy.
Mais il y a le style du film, façon "faux" reportage, qui en reprend tous les codes, de manière tellement habile que l'on se fait piéger en se demandant comment l'on n'a pas retenu le nom de cette vedette, avant de se rendre compte que c'est un personnage de fiction. Tout cela est aménagé avec de faux documents d'archives, des concerts, des enregistrements en studio, bref, mille moments qui sonnent tellement juste que l'on croit au "vrai" reportage.
Laissez-vous piéger et charmer par ce personnage qui en évoque tant d'autres. Et je ne citerai pas de noms.

516

Whitney de Kevin Macdonald

(120) Amy, le retour. Comment ne pas se souvenir avec émotion de ce portrait d'une superbe chanteuse de grand talent qui sombre dans la drogue et les pièges du show business ? Ce film-ci, consacré à Whitney Houston, est le triste et affligeant symétrique de cette montée au firmament de la gloire et la chute qui s'en suit, jusqu'au plus profond de l'enfer.

Les éléments qui constituent ce documentaire sont d'évidence : images d'archive de la carrière de la chanteuse, interviews face caméra, et des images contextuelles. Mais le producteur fut manager de la vedette ; cela s'appelle un (grave) conflit d'intérêt !

Si les moments de beauté, de bonheur, sont présents, fugitivement, c'est surtout les mécanismes de sable (é)mouvant qui va absorber cette déesse qui sont décrits par petites touches tout au long de ce film qui attriste car l'on y voit et entend ce qui est le plus beau du talent, et le plus abject de ceux qui le pourrissent, membres de la famille et proches.

Je crois que tous les fans de vedettes " mondiales " se doivent de regarder ce parcours pour que la conscience s'ouvre à la douleur intime qu'essaye de cacher celles et ceux qui se donnent corps et âme à leur public. A en perdre tout contrôle d'eux-mêmes.

Il me paraît que ce film mérite une particulière attention aussi par deux aspects que, personnellement, j'ai ressenti comme peu aboutis, sans doute par manque de maîtrise du montage : la gloire, le succès, le talent de l'artiste ne me semblent pas assez mis en lumière. Nous n'entrons pas assez, me semble-t-il, en empathie avec cette superbe et prodigieuse personnalité.
Et le contexte "historique" s'il est très, trop, fugitivement, évoqué par quelques images "news" aurait dû, à mon estime, être plus développé afin que ce destin pathétique soit replacé dans son époque.

Un film à voir plus comme une parabole que comme une recherche rigoureuse d'une vérité biographique, irréductible sans doute à ce format cinématographique.

Nous reste le plaisir d'entendre chanter I Will Always Love You. Tout un programme, mais qui a sombré tel un Titanic dans un océan perverti. Le naufrage d'une star sublime.

Fondation Jacques Brel
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(capture d'écran du 27 septembre 2017).

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Berry républicain 2 décembre 2017

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